21 814
От доисторической эпохи и эпохи Возрождения до модернизма 20-го века и современности — это самые известные скульптуры всех времен, которые должен знать каждый культурный человек.
1. Венера Виллендорфская, 28 000–25 000 лет до н.э.
Это скульптура истории искусства, эта крошечная статуэтка высотой чуть более 10 сантиметров была обнаружена в Австрии в 1908 году. Никто не знает какую функцию она выполняла, но догадки варьировались от богини плодородия до помощи в мастурбации. Некоторые ученые предполагают, что это мог быть автопортрет, сделанный женщиной.
Это самый известный из многих таких объектов, относящихся ко времени Старого каменного века.
2. Бюст Нефертити, 1345 г. до н.э.
Этот портрет был символом женской красоты, с тех пор как он был впервые обнаружен в 1912 году в руинах Амарны, столицы, построенной самым противоречивым фараоном древнеегипетской истории — Эхнатоном. Вступив на престол в качестве Аменхотепа IV, Эхнатон изменил свое имя в рамках своего решения отменить установленный пантеон египетских богов, чтобы начать свою собственную религию: монотеистический культ, посвященный богу солнца Атену, который был представлен в виде абстрактного диска в резьбе и настенных росписях.
Жизнь его королевы, Нефертити, таинственна: считается, что она управляла фараоном какое-то время после смерти Эхнатона, или, скорее, как со-регент мальчика-короля Тутанхамона. Некоторые египтологи считают, что она была матерью Тута. В любом случае, его мать никогда не была найдена, хотя недавние исследования показывают, что она может быть похоронена в комнате, закрытой за стеной в могиле Тута.
Считается, что этот известняковый бюст с штукатурным покрытием — дело рук Тутмоса, придворного скульптора Эхнатона. Отличающийся натуралистическим стилем, который не похож на характерный стиль древнеегипетского искусства, бюст был найден немецкой археологической командой и вывезен в Германию. Он был в Берлине еще до Второй мировой войны, и теперь считается символом города.
3. Известные скульптуры: Терракотовая армия, 210–209 гг. до н.э.
Обнаруженная в 1974 году Терракотовая армия (возможно, самая грандиозная находка за всю археологическую историю) представляет собой огромный тайник с глиняными статуями, похороненный в трех огромных ямах возле могилы Ши Хуана, первого императора Китая, который умер в 210 году до нашей эры.
Предполагается, что армия была создана для защиты его в загробной жизни, и насчитывает более 8000 солдат, а также 670 лошадей и 130 колесниц. Каждый из них в натуральную величину, хотя фактический рост варьируется в зависимости от воинского звания.
Хотя характеристики каждого солдата кажутся уникальными, на самом деле они основаны на 10 формах лица, что является частью процесса сборочной линии, в которой мастера использовали формы для изготовления фигур в отдельных сегментах, прежде чем соединять их вместе с разбавленной глиной, называемой накладкой. Затем солдаты были экипированы настоящим оружием (копьями, мечами) и раскрашены в яркие цвета.
4. Лаокоон и его сыновья, второе столетие до нашей эры
Пожалуй, самая известная скульптура римской древности, Лаокоон и его сыновья, была первоначально обнаружена в Риме в 1506 году и перенесена в Ватикан, где она находится и по сей день. Скульптура основана на мифе о троянском священнике, убитом вместе со своими сыновьями морскими змеями, посланными морским богом Посейдоном в качестве возмездия за попытку Лаокоона разоблачить уловку троянского коня.
Первоначально установленная во дворце императора Тита, эта скульптура в натуральную величину, приписываемая трио греческих скульпторов с острова Родос, не имеет себе равных в исследовании человеческих страданий.
5. Известные скульптуры: Давид, Микеланджело, 1501-1504
Давид Микеланджело, одно из самых знаковых произведений во всей истории искусства, берет свое начало в более крупном проекте по украшению опор великого собора Флоренции, Дуомо, с группой фигур из Ветхого Завета.
Дэвид был фактически начат в 1464 году Агостино ди Дуччо. В течение следующих двух лет Агостино удалось вырубить часть огромного блока мрамора, высеченного в знаменитом карьере в Карраре, прежде чем он остановился в 1466 году. (Никто не знает почему.)
Другой художник продолжил работу, но тоже бросил. Мрамор оставался нетронутым в течение следующих 25 лет, пока Микеланджело не возобновил его изготовление в 1501 году. В то время ему было 26 лет. Когда он закончил, Давид весил шесть тонн, а это значит, что его нельзя было поднять на крышу собора. Вместо этого он был выставлен прямо у входа в Палаццо Веккьо, ратушу Флоренции.
Фигура, одна из самых чистых дистиллятов стиля Высокого Возрождения, была немедленно воспринята флорентийской публикой как символ собственного сопротивления города-государства против сил, противостоящих ей.
В 1873 году Дэвид был перемещен в галерею Академии изящных искусств.
6. Экстаз Святой Терезы, Джан Лоренцо Бернини, 1647–52
Признанный создателем стиля высокого римского барокко, Джан Лоренцо Бернини создал этот шедевр для часовни в церкви Санта-Мария-делла-Виттория.
Барокко было неразрывно связано с контрреформацией, посредством которой католическая церковь пыталась остановить волну протестантизма, бушующую в Европе 17-го века. Такие произведения, как работы Бернини, были частью программы по подтверждению папской догмы, которую здесь хорошо использовал гений Бернини для наполнения религиозных сцен драматическими рассказами.
Экстаз является наглядным примером: его сюжет — святая Тереза из Авилы, испанская монахиня-кармелитка и мистик, написавшая о своей встрече с ангелом, — изображена в тот момент, когда ангел собирается вонзить стрелу в ее сердце.
Эротические обертоны безошибочны, особенно в выражении оргазма монахини и извивающейся ткани, окутывающей обе фигуры. Будучи архитектором и художником, Бернини также разработал оформление часовни из мрамора, штукатурки и краски.
7. Персей с головой Медузы, Антонио Канова, 1804–6
Итальянский художник Антонио Канова (1757–1822) считается величайшим скульптором 18-го века. Его работа олицетворяла неоклассический стиль, как вы можете видеть в его исполнении в мраморе греческого мифического героя Персея.
Канова фактически сделал две версии этого произведения: одно находится в Ватикане в Риме, а другое — в Европейском музее скульптурного двора музея Метрополитен.
8. Известные скульптуры: Граждане Кале, Огюст Роден, 1894–85
В то время как большинство людей ассоциируют великого французского скульптора Огюста Родена с «Мыслителем», этот ансамбль, посвященный инциденту во время Столетней войны (1337–1453) между Великобританией и Францией, более важен для истории скульптуры.
Заказанный для парка в городе Кале (где годовая осада англичанами была снята в 1346 году, когда шесть городских старейшин предложили себя для казни в обмен на спасение населения), статуя отличалась от формата, типичного для памятников в то время: вместо отдельных фигур, сложенных в пирамиду на высоком пьедестале, Роден собирал предметы в натуральную величину прямо на земле, на уровне зрителя. Этот радикальный шаг в сторону реализма нарушил героическое отношение, которое обычно уделялось подобным работам на открытом воздухе.
Вместе с «Граждане Кале» Роден сделал один из первых шагов к современной скульптуре.
9. Гитара, Пабло Пикассо, 1912 г.
В 1912 году Пикассо создал картонный макет, который оказал огромное влияние на искусство 20-го века. Также в коллекции MoMA она изображала гитару, предмет, который Пикассо часто изучал в живописи и коллаже, и во многих отношениях Гитара перенесла технику вырезания и вставки коллажа из двух измерений в три.
То же самое можно сказать и о кубизме, собирая плоские формы для создания многогранной формы как по глубине, так и по объему.
Инновация Пикассо заключалась в том, чтобы отказаться от традиционного вырезания и моделирования скульптуры из твердой массы. Вместо этого гитара была скреплена как структура.
Эта идея будет отражаться от русского конструктивизма до минимализма и не только.
10. Мадемуазель Погани, Константин Бранкузи, 1913
Родившийся в Румынии, Бранкузи был одним из самых важных скульпторов модернизма начала 20-го века и одной из самых важных фигур во всей истории скульптуры.
Бранкузи, своего рода прото-минималист, взял формы от природы и превратил их в абстрактные представления. На его стиль оказало влияние народное искусство его родины, которое часто отличалось яркими геометрическими узорами и стилизованными мотивами.
Он также не делал различий между объектом и основанием, рассматривая их, в некоторых случаях, как взаимозаменяемые компоненты — подход, который представлял собой решающий разрыв со скульптурными традициями.
Это знаковое произведение представляет собой портрет его модели и любовницы, Маргит Погань, венгерской студентки художественного творчества, с которой он познакомился в Париже в 1910 году.
Первая итерация была вырезана из мрамора, за которой последовала гипсовая копия, из которой была изготовлена эта бронза. Сама статуя была выставлена в Нью-Йорке на легендарной Оружейной выставке 1913 года, где критики насмехались над ней и оскорбляли ее. Но это была также самая воспроизводимая часть выставки.
Бранкузи работал над различными версиями Мадемуазель Погани около 20 лет.
11. Известные скульптуры: велосипедное колесо, Дюшан, 1913
Велосипедное колесо считается первым из революционных готовых редимейдов Дюшана. Однако, когда он закончил свое произведение в парижской студии, он понятия не имел, как ее назвать.
«У меня была счастливая идея прикрепить велосипедное колесо к кухонному табурету и наблюдать, как оно вращается», — говорил позднее Дюшан.
Чтобы найти готовый термин, Дюшану потребовалась поездка в Нью-Йорк в 1915 году и знакомство с огромным производством городской продукции. Что еще более важно, он начал понимать, что создание искусства традиционным способом ручной работы казалось бессмысленным в индустриальную эпоху.
Зачем беспокоиться, полагал он, когда широко доступные промышленные товары могут справиться с этой задачей. Для Дюшана идея художественного произведения была важнее, чем то, как оно было сделано. Это понятие — возможно, первый реальный пример концептуального искусства — полностью изменит историю искусства в будущем.
Велосипедное колесо не сохранилось: эта версия на самом деле является точной копией, созданная в 1951 году.
12. Brillo Box, Энди Уорхол, 1964
Brillo Box, пожалуй, самая известная из серии скульптурных произведений, созданных Уорхолом в середине 60-х годов, в результате чего его исследование поп-культуры охватило три измерения.
Верный названию, которое Уорхол дал своей мастерской — Фабрика — художник нанял плотников для работы над сборочной линией, склеивая деревянные коробки в форме картонных коробок для различных продуктов, включая Кетчуп Хайнц, Кукурузные хлопья Келлогга и Суп Кэмпбелла, как мыло Brillo. Затем он покрасил каждую коробку в цвет, соответствующий оригиналу (белый в случае Brillo), а затем добавил название продукта и логотип на шелкографии.
Созданные в нескольких местах коробки часто показывались большими стеками, эффективно превращая любую галерею, в которой они находились, в высококультурное факсимиле склада. Их форма и серийное производство, возможно, были данью или пародией на тогдашний минималистский стиль.
Но реальная точка Brillo Box — это то, как его близкое приближение к реальной вещи подрывает художественные условности, подразумевая, что нет реальной разницы между промышленными товарами и работами из мастерской художника.
13. Untitled (Stack), Дональд Джадд, 1967
Имя Дональда Джадда является синонимом Minimal Art, движения середины 60-х, которое перераспределило рационалистическое напряжение модернизма в самое необходимое.
Для Джадда скульптура означала артикуляцию конкретного присутствия произведения в пространстве. Эта идея была описана термином «конкретный объект», и, хотя другие минималисты приняли ее, Джадд, возможно, дал этой идее самое чистое выражение, приняв короб в качестве своей подписной формы.
Подобно Уорхолу, он производил их как повторяющиеся единицы, используя материалы и методы, заимствованные из промышленного производства.
В отличие от суповых банок Уорхола, искусство Джадда ни о чем не говорило. Его «стеки» являются одними из его самых известных произведений. Каждый состоит из группы одинаково пологих коробок, изготовленных из оцинкованного листового металла, выступающих от стены для создания колонны из равномерно расположенных элементов.
Но Джадд, который начинал как художник, был так же заинтересован в цвете и текстуре, как и в форме, как это видно по зеленоватому лаку для автомобильных кузовов, нанесенному на лицевую поверхность каждой коробки. Взаимодействие цвета и материала придает Untitled (Stack) привередливую элегантность, которая смягчает ее абстрактный абсолютизм.
14. Accumulation No 1, Яёй Кусама, 1962
Японская художница, работающая в разных сферах, Кусама приехала в Нью-Йорк в 1957 году, и вернулась в Японию в 1972 году. Тем временем она зарекомендовала себя как главная фигура в центре города, чье искусство коснулось многих основ, включая поп-арт, минимализм и перформанс арт. Как женщина-художник, которая часто ссылалась на женскую сексуальность, она также была предшественницей феминистского искусства.
Работа Кусамы часто характеризуется галлюциногенными паттернами и повторениями форм, склонностью к определенным психологическим условиям — галлюцинациям, ОКР — она страдала с детства.
Все эти аспекты творчества и жизни Кусумы отражены в этой работе, в которой обычное мягкое кресло неуклонно связано с чумной вспышкой фаллических выпуклостей, сделанных из сшитой набивной ткани.
15. Hang Up, Ева Гессе, 1966
Как и Бенглис, Гессе была художницей, которая отфильтровывала постминимализм через, возможно, феминистскую призму.
Еврейка, сбежавшая из нацистской Германии в детстве, она исследовала органические формы, создавая изделия из промышленного стекловолокна, латекса и веревки, которые пробуждали кожу или плоть, гениталии и другие части тела.
Учитывая ее происхождение, заманчиво найти скрытое течение травмы или беспокойства в работах, подобных этой.
16. One Ton Prop (карточный домик), Ричард Серра, 1969
Вслед за Джаддом и Флавином группа художников отошла от эстетики минимализма чистых линий. Как часть этого постминималистского поколения, Ричард Серра применил концепцию конкретного объект, значительно расширив его масштаб и вес и сделав законы гравитации неотъемлемой частью этой идеи.
Он создал неустойчивые балансировочные акты из стальных и свинцовых пластин и труб весом в тонны, что привело к возникновению угрозы в работе. (В двух случаях монтажники, устанавливающие части, были убиты или искалечены, когда работа случайно обрушилась.)
В последние десятилетия работа Серра приняла криволинейное усовершенствование, которое сделало его чрезвычайно популярным, но в начале, в своей работе One Ton Prop, в котором четыре свинцовые пластины соединены вместе, он выразил свои опасения с жестокой прямотой.
17. Спираль Джетти, Роберт Смитсон, 1970
Следуя общей контркультурной тенденции в 1960-х и 1970-х годах, художники восстали против коммерциализации галерейного мира, развивая радикально новые формы искусства, такие как земляные работы.
Также известный как лэнд-арт, ведущей фигурой жанра был Роберт Смитсон (1938–1973), который вместе с такими художниками, как Майкл Хейзер, Вальтер Де Мария и Джеймс Террел, отправился в пустыню западной части Соединенных Штатов, чтобы создать монументальные произведения.
Этот подход к конкретным объектам, как его стали называть, часто использовал материалы, взятые непосредственно из ландшафта. Так обстоит дело со Смитсоновской спиральной пристанью, которая простирается в Большом Соленом озере Юты из мыса Розель на северо-восточном берегу озера.
Сделанная из грязи, кристаллов соли и базальта, добытых на месте, Спиральная пристань имеет размеры 450 на 4,5 метров. Она была погружена под озеро на десятилетия, пока засуха в начале 2000-х годов снова не подняла ее на поверхность.
В 2017 году Спираль Джетти была названа официальным произведением искусства штата Юта.
18. Паук, Луиза Буржуа, 1996
Авторская работа французской художницы «Паук» была создана в середине 1990-х годов, когда Буржуа (1911-2010) было уже за восемьдесят. Скульптура существует в многочисленных версиях различного масштаба, включая монументальные.
«Паук» — дань уважения матери художницы, реставратору гобелена (отсюда и намеки на склонность паука к прядению тканей).
19. Облачные Врата, Аниш Капур, 2006
Чикагцы с любовью называют эту скульптуру «Боб» из-за изогнутой эллипсоидальной формы. «Облачные Ворота», общественная главная задача Аниша Капура для парка Миллениум, — это и произведение искусства, и архитектура, обеспечивающая готовую арку для Instagram для воскресных прогулок посетителей парка.
Изготовленные из зеркальной стали и широкоформатных отражателей «Облачные врата» — самое известное произведение Капура.
20. Рэйчел Харрисон, Александр Великий, 2007
Работа Рэйчел Харрисон сочетает в себе законченный формализм с умением наполнять кажущиеся абстрактными элементы множественными значениями, в том числе политическими. Она яростно ставит под сомнение монументальность и мужскую прерогативу, которая с этим связана.
Харрисон создает большую часть своих скульптур, укладывая и расставляя блоки или плиты из пенопласта, а затем покрывает их комбинацией цемента и красок. Вишенка сверху — это какой-то найденный предмет, один или в сочетании с другими.
Ярким примером является этот манекен на вытянутой, покрытой краской форме. Надевая плащ и обращенную назад маску Авраама Линкольна, эта работа отражает теорию истории великого человека с ее воспоминаниями о завоевателе Древнего мира, стоящем высоко на скале клоунского цвета.
Теперь, когда вы знаете самые известные скульптуры, ознакомьтесь также: