364

Интересуетесь ли вы искусством или нет, эти известные картины мира не оставят вас равнодушными. Если у вас нет возможности увидеть шедевры в музеях, вы можете насладиться ими и узнать краткую историю на этой странице.

Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры» (ок. 1485 г.)

Картина Рождение Венеры

Композиция, известная как «Рождение Венеры», на самом деле изображает богиню любви и красоты, прибывающую на сушу, на остров Кипр, рожденную из морских брызг и унесенную ветрами Зефиром и Аурой.

Богиня стоит на гигантской раковине морского гребешка, чистой и совершенной, как жемчужина.

Леонардо да Винчи, «Благовещение» (ок. 1472 г.)

Картина Благовещенье

«Благовещение» принято считать одной из юношеских работ Леонардо, написанных, когда он еще работал в мастерской Андреа дель Верроккьо. Он копирует изобретение Верроккьо, форму кафедры, вдохновленную гробницей Пьеро Пагути в церкви Сан-Лоренцо во Флоренции.

Караваджо, «Жертвоприношение Исаака» (ок. 1603 г.)

Жертвоприношение Исаака

Картина иллюстрирует отрывок из Ветхого Завета, в котором Бог приказал Аврааму принести в жертву своего единственного сына Исаака.

Караваджо правдиво изображает решающий момент драматической истории, когда Авраам собирается принести в жертву Исаака, и ангел, посланный Богом останавливает его.

Тициан, «Венера из Урбино» (ок. 1534 г.)

Тициан, Венера

Это одна из самых известных работ Тициана, на которой изображена символическая фигура молодой невесты, которую собираются одеть, чтобы принять участие в праздновании ритуала, известного в Венеции как «il toccamano».

Это была церемония, проводимая дома, а не в церкви, во время которой молодая женщина, чья рука была запрошена в браке, касалась руки жениха, чтобы выразить свое согласие.

Паоло Уччелло, «Битва при Сан-Романо» (ок. 1435-1440)

Одна из важнейших картин эпохи Возрождения — триптих «Битва при Сан-Романо» Паоло Уччелло, ученика известного итальянского скульптора Гиберти.

Битва при Сан-Романо — это набор из трех картин, изображающих события, произошедшие в битве при Сан-Романо между флорентийскими и сиенскими войсками в 1432 году. Они важны, поскольку показывают развитие линейной перспективы в живописи раннего итальянского Возрождения.

Артемизия Джентилески, «Юдифь, обезглавливающая Олоферна» (1620)

Юдифь, убивающая Олоферна
Артемизия Джентилески изображает момент, когда Олоферн был убит рукой решительной и могущественной Юдифи.

Общий эффект одновременно мощный и пугающий: тучный генерал лежит на кровати, удерживаемый за голову и волосы, а меч вонзился ему в шею.

Кроме того, Артемизия не уклонилась от добавления крови, бьющей так сильно, что запачкала грудь Джудит.

Натуралистическая «мужественность» работы вызвала бурную реакцию по прибытии во Флоренцию, и картине было отказано в чести выставляться в Галерее.

С большим трудом и с помощью своего друга Галилео Галилея художнице удалось получить платеж, со значительной задержкой.

Микеланджело, «Мадонна Дони» (ок. 1505–1506)

Микеланджело, святое семейство

Дони Тондо, иногда называемое «Святое семейство», — единственное законченное панно зрелого Микеланджело, которое сохранилось.

На картине изображено христианское Святое семейство (младенец Иисус, Мария и Святой Иосиф) на переднем плане и пять неоднозначных обнаженных мужских фигур на заднем фоне. Включение этих обнаженных фигур интерпретировалось по-разному, по одной из версий они представляют языческое человечество.

Рамка вокруг картины, вероятно созданная Микеланджело, была вырезана Франческо дель Тассо, представителем высочайшего уровня традиции резьбы по дереву во Флоренции. На нем изображены головы Христа и четырех пророков, окруженные гротесками и кистями, в которых есть полумесяцы, скрытые в верхнем левом углу: эмблема семьи Строцци.

Ботичелли, «Весна» (ок. 1477–1482)

Картина Весна

На этой картине, обычно известной как «Примавера» или «Весна», изображены девять фигур из классической мифологии, движущиеся по цветущей лужайке в роще апельсиновых и лавровых деревьев.

На переднем плане, справа, Зефир обнимает нимфу по имени Хлорис, затем она изображается после ее превращения во Флору, богиню весны.

В центре картины доминирует богиня любви и красоты Венера, целомудренно одетая и слегка отстраненная от остальных, и Купидон с завязанными глазами, стреляющий своей стрелой любви.

Хотя сложный смысл композиции остается загадкой, картина демонстрирует праздник любви, мира и благополучия.

Филиппино Липпи, «Поклонение волхвов» (ок. 1496 г.)

Панно было написано Филиппино Липпи для главного алтаря церкви Сан-Донато-а-Скопето во Флоренции вместо того, что было заказано Леонардо да Винчи несколько лет назад, но так и не было завершено.

Эта композиция настолько богата персонажами, что трудно узнать трех царей, которые пришли с востока, чтобы воздать должное младенцу Христу и преклонили колени перед ним, предлагая свои драгоценные дары в изящно сделанных горшках.

Лоренцо Лотто, «Сусанна и старцы» (1517 г.)

Лоренцо Лотто, Сусанна

Эпизод взят из Ветхого Завета: Сусанна, красивая и целомудренная невеста Иоакима, богатого еврея, застигнута двумя старцами, когда она принимает ванну в своем саду. Пытаясь воспользоваться ею, они угрожают публично обвинить ее в супружеской неверности.

Только вмешательство пророка Даниила, который расспрашивает двух старцев по отдельности и, поскольку они противоречат друг другу, раскрывает из ложь и доказывает невиновность Сусанны.

Это очевидное послание в восхвалении женской добродетели и справедливости, переданное через работу с использованием формального языка, на который сильно влияют акценты Леонардо да Винчи.

Рафаэль, «Афинская школа» (1509-1511)

Рафаэль, Афинская школа

Картина состоит из групп фигур, иллюстрирующих историю философии и различные способы взгляда на мир, разработанные древнегреческими философами.

Фигуры расположены в сложной архитектурной обстановке, и первые персонажи, которых видит зритель, — это фигуры Платона и Аристотеля. Они занимают центральное место в арке позади них.

Пьетро Перуджино, «Алтарь Децемвири» (1495-1496)

Работа изображает Богородицу на высоком престоле с украшениями и рельефами. Позади нее — яркий пейзаж с холмами. Она держит ребенка в той же позе, что и на Алтаре Фано. Рядом с ней святой Лаврентий, Людовик Тулузский, Геркулан и Констанций Перуджийский.

Микеланджело, «Потолок Сикстинской капеллы» (1508-1512)

Микеланджело, один из величайших художников всех времен, имеет длинный список шедевров.

Когда мы думаем о Сикстинской капелле, возможно, первое, что приходит в голову, — это невероятная потолочная фреска Микеланджело, на которой изображены сцены из библейской книги Бытия.

Микеланджело, «Страшный суд» (1536-1541)

В той же комнате с фреской в Секстинской копелле есть еще один не менее впечатляющий художественный подвиг Микеланджело.

Страшный суд, написанный несколькими десятилетиями позже, представляет собой мощную фреску, покрывающую всю стену алтаря.

Изображение Второго пришествия Иисуса Христа и окончательного Божьего суда над человечеством было популярной темой в эпоху Возрождения.

Взгляд Микеланджело на эту тему со временем стал культовым. На фреске мы видим более 300 фигур, мастерски написанных для воплощения этой истории.

Христос сидит посередине, подняв руку, осуждая проклятых, погружающихся в глубины ада.

Леонардо да Винчи, «Мона Лиза» (1503)

знаменитая картина Мона Лиза
Картина представляет собой типичный портрет женщины, на котором ее богатство не является основным показателем. Она покрыта вуалью, ее руки скрещены, и у нее есть слабая улыбка — или какое-то выражение, маскирующееся под улыбку, — что, кажется, захватывает взгляд зрителя.

То, как Леонардо да Винчи написал данный портрет, отличалось от традиционного способа, которым художники изображали женщин. Мона Лиза смотрит прямо на зрителей, что было чем-то необычным для женщины на портрете в то время в Италии.

Она также выглядит довольной и уверенной в своем поведении, которое больше отражает ожидания аристократии среди мужчин, чем среди женщин.

8 поразительных секретов, скрытых в портрете Моны Лизы

Жак-Луи Давид, «Коронация Наполеона» (1806–1807)


Наполеон — центральный персонаж этой композиции. Он стоит, одетый в коронационные одежды, похожие на одежды римских императоров. Коронация Наполеона как императора, состоявшаяся в воскресенье, 2 декабря 1804 года, была мастерским актом пропаганды.

Эта картина, представляющая собой большое внушительное полотно, шириной почти 10 метров и высотой 6 метров, была частью пропагандистских усилий.

Наполеон хотел установить легитимность своего имперского правления и нового дворянства. С этой целью он разработал церемонию, не похожую ни на одну другую в истории коронаций.

Эжен Делакруа, «Свобода, ведущая народ» (1830)

Известная картина «Свобода, ведущая народ» была написана в 1830 году Эженом Делакруа сразу после революционного подъема, охватившего Париж в том же году.

Характеризуясь аллегорическим и политическим значением, этот большой холст, выполненный маслом, стал универсальным символом свободы и демократии.

Это одна из самых известных картин в истории искусства, которую часто используют в массовой культуре, чтобы символизировать освобождение людей от деспотического господства.

Теодор Жерико, «Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку» (1812)

знаменитые картины

Эту огромную картину теперь можно найти в Лувре в Париже, ее размеры — 349 × 266 см.

Сцена изображает офицера в традиционной военной одежде наполеоновского периода французской истории. Огромный размер этого холста позволил Жерико передать большое количество деталей, а тема французской армии фигурирует в работах многих художников-романтиков того времени.

Некоторые называют эту картину альтернативным названием «Офицер Имперской Конной Гвардии».

Художник Жерико не был первым художником, запечатлевшим конные сцены войны, но его вклад уникален в некоторых элементах стиля, который он использовал.

Паоло Веронезе, «Брак в Кане Галилейской» (1563)

известные картины

Это самая большая картина Лувра, ее вес составляет более 1,5 тонны, а ее размер составляет 70 квадратных метров окрашенной площади.

Около 130 персонажей населяют сцену, в том числе король Франции Франциск I, пьяно крадущийся, взглянув на грудь своей жены в крайнем левом углу.

Веронезе получил заказ благодаря своему лучшему другу Палладио, архитектору, работавшему над бенедиктинским монастырем на острове Сан-Джорджо-Маджоре в Венето.

Свадебный пир в Кане рассказывает историю первого чуда Христа, превратившего воду в вино.

Караваджо, «Смерть Богородицы» (1606)

Картина Смерть Богородицы

Можно с полным правом отметить, что «Смерть Богородицы» была одной из картин, иллюстрирующих  удивительное чувство реализма.

В суровом, торжественном, трагичном в своей повседневности произведении изображены апостолы, оплакивающие смерть Марии в беднейшем из домов.

Это одна из самых мощных и трогательных картин Караваджо.

Теодор Жерико, «Плот Медузы» (1818-1819)

Плот Медузы, картина Теодора Жерико изображает выживших после кораблекрушения и голодающих на плоту.

Жерико поразил зрителей, написав с ужасающими деталями не антикварный и благородный сюжет, а недавний ужасный инцидент.

Жак Луи Давид, «Клятва Горациев» (1784)

Клятва Горациев
Жак Луи Давид был крупным художником начала 19 века и оказал огромное влияние на Французскую королевскую академию искусств, французскую революцию и различных французских правителей. Больше всего Дэвид известен воплощением неоклассицизма.

Картина «Клятва Горациев» — один из его шедевров, его первое королевское поручение. Написанная в Риме, она сразу же имела международный успех, поскольку стала крупным прорывом в стиле рококо, который доминировал в 18 веке.

Рафаэль, «Святой Михаил и Дьявол» (1518)

Замечательное полотно Рафаэля «Святой Михаил и Дьявол» показывает торжество добра над злом и наполнено драмой и ожесточенным конфликтом вечной борьбы.

После завершения своей первой версии сцены в 1505 году Рафаэля по заказу Папы Юлия II попросили написать вторую версию в 1518 году.

Ян ван Эйк, «Мадонна канцлера Ролена» (1435 г.)

Созданная голландским художником для Николаса Ролена, канцлера герцогов Бургундских, примерно в 1435 году, эта картина может рассматриваться как классика иконографии, попытка понять значение картины через интерпретацию символов, изображенных на ней, как усложняющую, а не упрощение смысла произведения.

Ван Эйк, кажется, намеренно отвергает попытки окончательной интерпретации картины. Картина преподает нам важный урок: тот факт, что мы не можем дать окончательную интерпретацию, не просто означает, что мы недостаточно знаем, очень вероятно, что эта сложность была задумана художником.

Жак-Луи Давид, «Портрет мадам Рекамье» (1800)


Жюльетт Рекамье, жена парижского банкира, была одной из самых известных светских львиц своего времени. Этот портрет, изображающий ее одетую в «античном стиле» и окруженную помпейской мебелью на голом картинном пространстве, был чрезвычайно авангардным для 1800 года.

Иоганнес Вермеер, «Астроном» (ок. 1668)


Картина «Астроном», написанная около 1668 года, — одно из самых известных полотен Вермеера, образная репродукция ученого, окруженного инструментами своего дела. Вермеер остро ощущал магию повседневности, наполнял своих персонажей мощным чувством самоанализа и часто изображал их как более заинтересованных в собственном внутреннем мире, чем в объектах, которые их окружают.

Жак-Луи Давид, «Вмешательство сабинянок» (1799)

Дэвид задумал его как «продолжение» популярного произведения Пуссена «Изнасилование сабинянок». В дополнение к эпическим размерам картины он украсил выставочный зал Лувра зеркалами, чтобы зрители почувствовали себя полностью погруженными в драму, и даже продал билеты.

Как и в любой хорошей кассовой феерии, Дэвид продемонстрировал сексуальную привлекательность, но тогдашняя аудитория была шокирована мужской наготой.

Россо Фьорентино, «Пьета» (1540)


Картина Россо Фиорентино интерпретирует тему, которая очень широко представлена в искусстве эпохи Возрождения.

Мертвое тело Христа лежит на подушке эпохи Возрождения, украшенной кисточками. Ноги слегка согнуты, а туловище приподнято. Правая же рука лежит на коленях Марии. Лицо наклонено влево безжизненным, губы слегка приоткрыты.

Мадонна, кажется, падает в обморок, делая большой жест с вытянутыми руками. Ее лицо выражает страдание. Тем временем позади нее молодая женщина держит ее, обнимая за плечи. Фон однородный, лишен фигур.

Мари-Гийемин Бенуа, «Портрет чернокожей женщины» (1800)

портрет негритянки

«Портрет Мадлен» Мари-Гийемин Бенуа (ранее известный как «Портрет негритянки») сегодня висит в Лувре в галерее, посвященной картинам Жака-Луи Давида и его учеников. Он расположен в центре стены с семью портретами, что подчеркивает его важность. В 1800 году работа впервые была выставлена в Лувре, в Салоне — спонсируемой государством презентации произведений современных художников.

Рембрандт, «Вирсавия в купальне» (1654)

История картины — это ветхозаветный рассказ о царе Давиде, который возжелал Вирсавию после того, как увидел ее купание. Она была женой Урии, одного из его солдат, которого он затем отправляет в бой и приказывает своим генералам покинуть его, тем самым оставив его на верную смерть.

На картине изображена Вирсавия, получившая письмо от царя Давида, где он зовет ее к себе. Эта картина —  понимание моральной дилеммы Вирсавии: ее муж ушел в битву, а ее лорд и повелитель, король, вызвал ее письмом в свою спальню.

Ренуар, «Бал в Мулен де ла Галетт» (1876)

Ренуар создал «Бал в Мулен де ла Галетт», картину маслом в 1876 году. В то время импрессионизм все еще находился на начальной стадии; Ренуар, Клод Моне, Эдгар Дега и Камиль Писсарро провели первую выставку импрессионистов всего за два года до этого. Однако к этому моменту художники, связанные с движением, разработали уникальные, но единые подходы к живописи.

Ренуар, например, известен своей прозрачной манерой письма, яркой цветовой палитрой и интересом к свету — все это он использовал для создания картин на его любимую тему: людей. Этот подход очевиден в «Бал в Мулен де ла Галетт»: пятнистые солнечные лучи, фигуры нарисованы рыхлыми светящимися мазками.

Хотя многие из испытуемых одеты в черные костюмы и платья, более пристальный взгляд показывает, что даже эти более темные оттенки состоят из калейдоскопической коллекции цветов.

Берта Моризо, «Колыбель» (1872)

Картина Калыбель

Фигуры, запечатленные в сцене под названием «Колыбель», — сестра Моризо — Эдма с дочерью Бланш. Атмосфера материнства продолжалась на протяжении всей карьеры художницы и предлагала удовлетворительный перерыв от бесконечных пейзажных картин, найденных в движении импрессионистов, при этом полностью принимая красоту и новаторство их работ в этом жанре.

Жан-Франсуа Милле, «Сборщицы колосьев» (1857)

В картине преобладают скульптурные фигуры трех женщин. Вытянутые к земле руки, подчеркнутые линии плеч и спины передают напряжение тяжелой работы. Их лица скрыты, что указывает на некую однородную анонимность, а не на индивидуальность. Эта анонимность позволяет им представлять всех бедных крестьян Франции.

Контраст между тенями, удлиняющимися вокруг женщин, и освещенным фоном, на котором собирают урожай, передает различие между бедностью и изобилием. В дали управитель на коне, наблюдающий за урожаем, олицетворяет общественный порядок и привилегию дистанцироваться от каторжных работ.

Остатки зерна, разбросанные по земле, блестят, как драгоценности, на фоне тусклого цвета земли, но зритель не может не осознавать, насколько они скудны на самом деле и сколько усилий нужно приложить женщинам, чтобы просто жить.

Винсент Ван Гог, Автопортрет (1889)

Ван Гог автопортрет

Винсент Ван Гог написал несколько портретов на протяжении всей своей творческой карьеры, но эта версия 1889 года, написанная всего за несколько месяцев до его смерти, является одной из величайших.

Волнистый фон, контрастирующий с застывшим жестким выражением лица Ван Гога, дает завораживающее противоречие.

Эдгар Дега, «Танцевальный класс» (1871-1874)

Дега часто посещал оперный театр, чтобы посмотреть постановки из зала и изучить танцоров и исполнителей за кулисами. Чаще всего в его работах танцоры репетировали, а не выступали на сцене, в том числе и в «Танцевальном классе».

Джеймс Эббот Макнил Уистлер, «Мать Уистлера» (1871)

Картина Уистлера «В сером и черном No 1»  имеет, пожалуй, наименее актуальное и самое скучное название для картины чьей-то мамы.

Картина, более известная как «Мать Уистлера», изображает Анну Макнил Уистлер во всей ее мрачной красе. Джеймс любил свою маму и хотел, чтобы произведение отражало ее терпение и достоинство. Изначально на портрете его мама стояла, но в то время она была чертовски стара, поэтому он позволил ей сесть.

Винсент Ван Гог, «Звездная ночь над Роной» (1888)

Звездная ночь нд Роной

Как и многие из его самых знаменитых картин, «Звездная ночь над Роной» была вдохновлена временем, проведенным Ван Гогом на юге Франции. Хотя эта работа не так известна, как кружащаяся «Звездная ночь», которую он позже завершит, она остается важной частью его портфолио.

Клод Моне, «Женщины в саду» (1867)

Эта работа была написана под Парижем, куда художник сбежал, чтобы спастись от кредиторов. По крайней мере, три фигуры были списаны с Камиллы Донсьё — его любовницей Моне, а затем его женой.

Хотя картина была закончена в студии, большая часть была сделана снаружи, и из-за размера холста Моне пришлось вырыть траншею в саду, в которую можно было опустить картину, чтобы он мог нарисовать верхние части. Он также останавливал работу, как только свет угасал, и над этой решительной приверженностью живописи под открытым небом смеялись как Курбе, который был случайным посетителем во время ее исполнения, так и Мане.

Эта важная в развитии Моне картина показывает, светящуюся палитру художника, и показывает его пристальное внимание к световым эффектам.

Эдуард Мане, «Олимпия» (1863)

Эдуарт Мане

Картина Эдуарда Мане с обнаженной женщиной, лежащей на кровати, шокировала французскую публику, когда она впервые была выставлена в Парижском салоне 1865 года.

Когда Мане писал свою «Олимпию», он взял за образец «Венеру Урбино» Тициана. Тем не менее, вместо того, чтобы рисовать в соответствии с принятой художественной традицией, которая требовала, чтобы изображения фигур отражали библейские или мифологические темы, Мане предпочел рисовать женщин своего времени.

Изображенная женщина, которую критики считают проституткой, нарушает парадигмы классической живописи. В то время как Олимпия лежит в том же положении, что и Венера Тициана, она пристально смотрит на зрителя мощным взглядом. Именно двусмысленность этого взгляда — сговорчивого, презрительного или просто двойственного — привлекает вас. И этим Мане отрицает строгую классификацию женской сексуальности, изображенную его предками.

Мэри Кассат, «Девушка в саду» (1880-1882)

картина девушка в саду

Широкими импрессионистскими мазками Кассат помещает девушку на богато окрашенный фон, очерченный диагональной траекторией, что придает глубину живописи и структурирует композицию.

Кажется, что перед ним сидит молодая женщина — почти монументальная фигура, облаченная в летнее платье с оборками. Но все внимание сосредоточено на ее румяных щеках, занятых руках и выражении полной сосредоточенности. Хотя можно представить, что она потерялась в мечтах, а ее пальцы все время работалют.

Поль Сезанн, «Игроки в карты» (1890-1895)

Поль Сезан

Большую часть 1890-х годов Поль Сезанн жил в поместье своего отца в Экс-ан-Провансе, где рисовал местные пейзажи и людей, которые работали в этом имении. Здесь Сезанн показывает группу рабочих, играющих в карты — одно из пяти полотен, которые он посвятил этой теме.

В этой, самой крупной и амбициозной картине из серии, Сезанн придает скромным фигурам внушительное присутствие, изображая их в масштабе, обычно предназначенном для более грандиозных сюжетов, таких как история или мифология.

Фредерик Базиль, «Студия на улице Кондамин» (1870)


Это большая просторная студия, которую Базиль, Ренуар и Моне делили в последние несколько лет жизни Базиля. В этой сцене многие работы Базиля, как и другие, висят на стенах. Моне наклоняется через перила слева от картины, чтобы что-то сказать Ренуару. В углу концертный друг пианист по имени Мэтр играет свою новую работу. А в центре Мане и искусствовед Захари Астрюк наблюдают за последней работой Базиля.

Именно в это время разразилась франко-прусская война. Базиль пошел в армию, оставив живопись и друзей. Он так и не вернулся домой, великий художник погиб в битве.

Анри де Тулуз-Лотрек, «Танцующая Джейн Аврил» (1892)

Анри де Тулуз-Лотрек был вдохновлен ночной жизнью Парижа и запечатлел ее во многих своих работах. Это был круг общения, в котором он чувствовал себя по-настоящему принятым, а также приобрел хороших друзей в этом сообществе, в том числе с некоторыми из наиболее известных исполнителей того времени.

Джейн Аврил была одной из таких исполнительниц, танцуя в Мулен Руж. Будучи частью более крупного общего шоу, художник любил запечатлеть ее в своей работе, подчеркивая ее особое значение. Визитной карточкой ее хореографии была особая поза, в которой ее левая нога была высоко поднята и дико раскачивалась взад и вперед.

Поль Сезанн, «Современная Олимпия» (1874)

Картина Современная Олимпия

Это произведение искусства было данью уважения Эдуарду Мане за его картину Олимпия (1863), которая вызвала большой скандал, когда впервые была выставлена на Парижском салоне 1865 года.

Идея «Современной Олимпии» возникла во время пребывания Сезанна с доктором Полем Гаше в Овер-сюр-Уаз. Сезанн получил прилив вдохновения во время жаркой дискуссии, в ходе которой он набросал эскиз картины Мане.

В картине Сезанн использовал светящиеся и яркие цвета и был написан в манере импрессионизма. Интерпретация Сезанна «Современная Олимпия» была представлена на первой выставке импрессионистов в 1874 году и была плохо воспринята как публикой, так и критиками.

Леонардо да Винчи, «Мадонна в скалах» (1508)


Эта известная картина воспевает тайну воплощения, изображая Марию, Иисуса Христа и Святого Иоанна Крестителя.

Заказчики, заказавшие масляную панель, дали очень конкретные инструкции относительно ее размеров. Она должна была быть выставлена в деревянной нише, которая уже была вылеплена.

Сюжет картины интересен, поскольку он не изображает эпизод из Евангелии и, следовательно, открыт для интерпретации. Мадонна в скалах ссылается на легенду, в которой рассказывается о встрече Иоанна Крестителя и Иисуса во время их изгнания из Египта. Бог поместил осиротевшего Иоанна Крестителя под защиту архангела Уриила. Они встретились в пещере, где архангел Уриил попросил Марию взять Иоанна Крестителя на ее попечение. Иоанн Креститель занимает видное место на картине: архангел Уриил указывает на него, сидящего рядом с Марией.

Иоганнес Вермеер, «Дама, стоящая у вирджиналя» (1672–1673)


Эта жанровая картина создана голландским художником Йоханнесом Вермеерпримерно в 1670–1672 годах, сейчас находится в Национальной галерее в Лондоне.

На картине маслом изображена богато одетая женщина, играющая на верджинале в доме с кафельным полом, картинами на стенах и некоторыми синими и белыми плитками местного производства, которые используются в других работах Вермеера.

Сандро Боттичелли, «Венера и Марс» (1483)

Венера и Марс — одна из самых известных картин Сандро Боттичелли, художника итальянского Возрождения, работавшего во Флоренции во второй половине пятнадцатого века. Боттичелли написал ее примерно в 1483 году.

У Венеры, римской богини любви, было много любовников, одним из которых был Марс, римский бог войны. На картине изображен спящий Марс, предположительно измученный любовными ласками с Венерой. Однако Венера бодрствует и бдительна, и предположительно наслаждается своим завоеванием.

Джон Констебл, «Телега для сена» (1821)


«Телега для сена», вероятно, самая известная работа Констебля. На нем изображена типичная сельская сцена на реке Стор, где двое мужчин ведут старую телегу с сеном.

«Нет ничего уродливого. Я никогда в жизни не видел уродливых вещей (…) свет, тень и перспектива всегда сделают это красивым», — сказал Констебль, для которого старый и полуразрушенный фургон заслуживает не меньше внимания, чем могучие дубы на левой стороне картины.

Констебль всегда уделял особое внимание изображению неба. «Телега для сена» показывает замечательное летнее небо с грозовыми облаками.

Ян ван Эйк, «Портрет четы Арнольфи» (1434)


На первый взгляд, «Портрет четы Арнольфини» Яна Ван Эйка (1434 г.) кажется изысканно выполненным, но в остальном простым изображением богатого купца и его жены. Но посмотрите второй раз (или третий или четвертый), и вы увидите более интригующий образ. Комната загружена изображениями, которые сигнализируют о богатстве, имеют религиозный подтекст или просто… странны.

Ганс Гольбейн Младший, «Послы» (1533)

Картина Ганса Гольбейна Младшего «Послы» 1533 года, хорошо известна своим анаморфным изображением в виде черепа на переднем плане, но при детальном прочтении, предметы на столе между двумя субъектами столь же увлекательные.

Диего Веласкес, «Туалет Венеры» / «Венера Рокби» (1647–1651)

Официальный придворный художник короля Филиппа IV, Диего Веласкес считается одним из величайших испанских художников. Он превратил свои острые наблюдательные способности в точные портреты испанской королевской семьи и, на пике своей карьеры, Папы Иннокентия X.

Прославленный жизненными образами своих подданных, Веласкес использовал свободные, эффективные мазки, чтобы создать в воображении сильно атмосферные сцены, пронизанные ослепительными цветами и яркими красками.

Бронзино, «Венера, Купидон, Безрассудство и Время» (1540-1546)

Примерно в 1545 году Аньоло Тори, которого звали Бронзино (1503-72), написал сложную словесную аллегорию. Он отображает двойственность периода маньеризма в жизни и искусстве. Картина также иллюстрирует маньеристский вкус к неясным образам с эротическим подтекстом.

Тициан, «Диана и Актеон» (1556-1559)

Одна из картин из серии «Поэзия», написанных для короля Испании Филиппа II, изображающая богиню Диану, удивленную молодым Актеоном во время купания в лесу со своей группой нимф и слуг.

Тициан использовал очень широкую палитру почти всех пигментов, известных в эпоху Возрождения, таких как киноварь, красный свинец, природный ультрамарин, смальта, зеленая трава, малахит, охра и свинцово-оловянный желтый.

Поль Сезанн, «Купальщицы» (1906)

Картина купальщицы

Это самая большая, последняя и во многих смыслах самая амбициозная работа Сезанна, который всю жизнь исследовал освященную веками тему обнаженной натуры в пейзаже. Кроме того, возможно, в своем незавершенном состоянии это чистейшее и безмятежное свидетельство человека, которого Поль Гоген описал как проводящего «целые дни на вершинах гор, читая Вергилия», мечтая о лесных полянах, населенных красивыми фигурами.

Возможно, именно его великое благородство — его авторитет как нечто неподвластное времени, «как искусство в музеях», как сказал Сезанн, — сделало его таким привлекательным для многих художников.

Рубенс, «Самсон и Далила» (1609-1610)

В этой картине Рубенс изобразил спящего Самсона, лежащего на руках у Далилы, женщины, которую он любит. Её слуга подстригает его волосы, чтобы истощить его силы. На заднем плане солдаты филистимлян ждут, чтобы атаковать, как только их цель будет ослаблена. Рубенс использует символы, чтобы подчеркнуть обман Далилы и уязвимость Самсона.

Диего Веласкес, «Христос в доме Марфы и Марии» (1618)

Эта картина Диего Веласкеса датируется его севильским периодом, она была написана в 1618 году, вскоре после того, как он завершил свое ученичество.

В это время Веласкес экспериментировал с настройками «Бодегона». Эта форма жанровой живописи была установлена в тавернах или на кухнях, которые часто использовались, чтобы связать сцены современной Испании с темами и историями из Библии.

Этот жанр содержал изображения людей, занятых приготовлением еды и напитков. В искусстве Веласкеса люди были необычайно реалистичны.

Караваджо, «Мальчик, укушенный ящерицей» (1593–1594)

Это типичная картина маслом Караваджо, художника эпохи барокко, известного серией мрачных, но суровых и привлекающих внимание работ.

«Мальчик, укушенный ящерицей» — одно из нескольких произведений художника в подарок кардиналам города, которое, возможно, представляет собой реальную живую модель.

Винсент Ван Гог, «Подсолнухи» (1888)

«Подсолнечник мой!» — однажды сказал Винсент Ван Гог, видя в этом цветке эфемерную природу человеческих действий или гимн жизненной силе природы. Ни один другой художник никогда не был так тесно связан с конкретным цветком любого типа.

В феврале 1888 года Винсент Ван Гог поселился в Арле, на юге Франции. Довольный своей новой жизнью в древней деревне и своим «желтым домом», Винсент пытался убедить своего друга Гогена присоединиться к нему.

Винсент мечтал создать крошечное сообщество художников в Арле, в котором он и его друг будут наставниками. Летом, ожидая прибытия Гогена, он начал писать свою знаменитую серию «Подсолнухов» в вазе.

Чтобы украсить свою гостевую комнату и произвести неизгладимое впечатление на своего друга, Винсент Ван Гог задумал создать дюжину картин, в том числе «Вазу с пятнадцатью подсолнухами», которая сегодня является частью коллекции Национальной галереи Лондона.

Гоген появился следующей осенью, но, в отличие от Ван Гога, он не нашел ничего интересного в Арле и считал невозможным жить с Винсентом. Дружба между ними внезапно оборвалась и вскоре их пути разошлись.

Сэр Джон Эверетт Милле, «Офелия» (1851-1852)

Изображенная сцена взята из Шекспировского Гамлета, Акт IV, Сцена VII, в которой Офелия, потерявшая рассудок, когда ее отец был убит ее любовником Гамлетом, падает в ручей и тонет.

Иоганн Вермеер, «Портрет молодой женщины» (1665–1667)

Если вы нашли сходство этой картины с «Девушкой с жемчужной сережкой», не волнуйтесь, потому что вы определенно не единственный. В конце концов, они очень похожи. Девушки позируют в одинаковых позах, они одеты в одинаковые цвета, и у этой девушки даже есть серьга!

Поскольку эти картины имеют одинаковый размер и были написаны примерно в одно время, ученые полагают, что эти работы на самом деле могли быть парными.

Клод Моне, «Лягушатник» (1869)

Эта работа, как и «Женщины в саду», показывает влияние Эдуарда Мане — так называемого «отца современного искусства», который был чем-то вроде героя для молодых художников, которым предстояло стать импрессионистами.

Джон Сингер Сарджент, «Мадам X» (1883–1884)

Элегантный и загадочный портрет «Мадам X»  Джон Сингер Сарджент считал одной из лучших своих работ. На нем изображена молодая светская львица Вирджини Амели Авеньо Готро, которая была известна своей нетрадиционной красотой, которая и сделала ее объектом восхищения художников.

Диего Веласкес, «Менины» («Дамы в ожидании» /«Семья Филиппа IV») (1656)

Что делает эту картину такой известной, столь обсуждаемой и до сих пор находящейся в центре обсуждения искусствоведов?

Написанная в 1956 году и первоначально называвшаяся «Семья», Веласкес внес несколько изменений перед тем, как представить свою работу под названием «Las Meninas» («Дамы в ожидании»). Что касается произведения искусства, оно сразу же заняло свое место в качестве современного шедевра.

Сюжеты, композиция и детали были красиво сложными и, таким образом, заняли свое место в истории.

Рафаэль, «Христос, падающий на пути к Голгофе» («Крестный путь») (1515)

Многие искусствоведы считают эту картину маслом классической картиной Рафаэля, изображающей жизнь Мессии. Он был создан в период с 1516 по 1517 год как запрестольный образ.

Картина рассказывает историю об Иисусе, который упал по дороге на Голгофу, неся крест, где его должны были распять. Картина наполнена эмоциями и драмой, но также можно было заметить, как Рафаэль противопоставил эту печальную сцену, включающую страдания Девы-Матери и плач от сильной эмоциональной боли, используя теплые и легкие цвета картины.

Диего Веласкес, «Христос Распятый» (1632)

Стилистически эта работа, похоже, была создана в начале 1630-х годов — вскоре после возвращения художника из Италии — и большинство авторов датируют ее примерно 1632 годом.

Аполлоническое совершенство анатомии и бледный цвет лица напоминают о неоаттическом характере работы Гвидо Рени, но, должно быть, Веласкес намеревался наполнить фигуру божественной и невыразимой красотой, отражающей веру в то, что Христос был самым прекрасным из людей.

Рубенс, «Три Грации» (1630–1635)

Грации были незначительными божествами, но в этой великолепной работе Рубенс посвящает им свое лучшее усилие. Он изображает их у фонтана, под гирляндой цветов в пейзаже. Фигуры созданы на основе классической скульптуры, что прослеживается в стремлении художника передать холодность мрамора в их телах.

Круговой ритм и изящная волнистость — обычные характеристики этого художника, наряду с элегантными и грандиозными формами и теплыми цветами, которые он привнес в свои картины в последние годы своей жизни.

Франсиско де Гойя, «Сатурн, пожирающий своего сына» (1819)

Картина Сатурн, пожирающий своего сына

Между 1819 и 1823 годами Гойя нарисовал серию картин на стенах своей виллы в Кинто-дель-Сордо, каждая из которых изображала ужасные, фантастические или болезненные образы. Эти картины теперь называются Черными картинами, ссылаясь на психическое состояние Гойи в это темное время его жизни из-за его болезни, которая сделала его глухим, а также внутренних раздоров в Испании.

Эта картина была закончена на стенах его столовой и представляет собой изображение Сатурна, римского мифологического персонажа, который, опасаясь, что его дети однажды свергнут его, съел каждого из них при рождении.

Это не все известные картины мира, так что не забывайте заходить на наш сайт, чтобы увидеть продолжение статьи.